Blog de Antonio Corts

10 cosas que cualquier ilustrador debería saber. 2.- El refranero

2012-01-20T14:09:00.000+01:00

Portada del álbum "Los Profesionales"
de Carlos Giménez

He hablado en la primera parte de la necesidad de reivindicar la dignidad de la profesión de ilustrador. Creo que deberíamos reflexionar un momento sobre este punto. No todas las profesiones son igualmente dignas: no es lo mismo el oficio de juez, abogado del Estado o registrador de la propiedad que el de tornero-fresador, meretriz o fontanero, por ejemplo. Pero junto a oficios inexplicablemente sobrevalorados existen otros injustamente devaluados. El de ilustrador es, digámoslo así, un ejemplo paradigmático. Para ilustrarlo (valga la redundancia) e intentar contribuir a ponerle remedio con este granito de arena, he hecho un somero repaso a las expresiones más usuales que todos hemos oído (yo al menos las he oído todas, sobre todo en mis comienzos), a su significado y a qué actitud adoptar ante ellas. Desde luego no están todas las que son y cualquier sugerencia o ampliación será bienvenida.

2º. ¿Quién no ha oído nunca...?

Muchos hemos oído en alguna ocasión alguna de las frases siguientes. A veces sueltas, a veces en "pack". Algunas caen como quien no quiere la cosa, otras forman baterías, una "bomba de racimo" con la que algún cliente o editor pretende aturdirte o, cuanto menos, delimitar el campo de negociación a su propia conveniencia. No es que los editores sean malos, es que los han dibujado así. Aunque para ser honesto, tengo que reconocer que he conocido alguno decente, incluso uno que ha sido como un mentor y consejero para mí en cuanto a apoyo profesional y personal, y estoy seguro que alguna excepción más habrá por ahí que confirme la regla (aunque haya que buscarla removiendo la tierra con el hocico, como las trufas*).

1.- "Pero si eso lo haces en un momento, no te cuesta nada..."

Traducción: "¡Qué me vas a cobrar si esto no te va a llevar ni tiempo ni esfuerzo, lo haces en un momento de forma natural con un papel y un lápiz, o como mucho con tu ordenador (que tampoco te cuesta nada)! A mí me haces un favor y si acaso te debo una...".

Cuando quien te lo dice es un amigo o familiar, a menudo sirve para abrir un intercambio de favores más o menos equitativo. Una especie de "economía del trueque" que en ocasiones ayuda a materializar cosas o proyectos que de otra manera serían mucho más difíciles de realizar o conseguir. En estos casos, y de manera particular, soy muy favorable a este tipo de tratos, que tienen además la gran ventaja y el incentivo añadido de que los bancos no pueden cobrar comisiones por ellos. Hay quien piensa que no hay que mezclar familia o amistad con negocios, y ejemplos no faltarán. Sin embargo, creo que depende de qué familia, de qué amigos y de qué relación establece cada uno. Yo tengo la suerte de tener la mejor familia y los mejores amigos del mundo.

Entre estos intercambios recuerdo varias barras libres o cuentas abiertas en bares y pubs (ver primera parte), el suministro de varias botellas (Jack Daniel's) a cambio de cartas y menús, un futbolín profesional (grande de madera, de los de echar cinco duros) por un curso de maquetación y diseño, cajas de naranjas por un cartel, alguna estancia y viaje en casas rurales a cambio de materiales de promoción, página web, etc. Siempre con el objetivo de tener alguna excusa para vernos o trabajar juntos y cultivar nuestra amistad. Creo que es la única razón (con mesura por razones económicas obvias) para hacer este tipo de transacciones. En este sentido una de las mejores experiencias que he tenido fue el rodaje que dirigí duramente más de una año, de 40 cortos educativos para niños de 1 a 5 años: no por el encargo (fue un desastre económico) pero fue una experiencia maravillosa con toda la gente, amigos y desconocidos, que se prestó a colaborar desinteresadamente en el proyecto.

Insisto: hay/tengo/ que dosificar con precaución este tipo de trabajos por razones económicas, y siempre siguiendo las siguientes reglas:

Primero, ofrecer siempre más de lo que se cree o espera recibir a cambio.
La economía de trueque es lo que tiene: se ofrece algo que, valiendo igual, cuesta menos que el precio de mercado, a cambio de bienes o servicios en las mismas condiciones. En términos económicos, estamos ofreciendo un valor de uso que no está reflejado en un valor de cambio (precio) y por tanto este tipo de transacciones, actualmente, sólo puede hacerse basándose en la buena voluntad y la generosidad para mantener engrasado el engranaje. O al menos basado en esos principios: de forma desinteresada o, como mucho, a la espera de un trato recíproco por término medio. Por eso es hoy inevitablemente un "circuito" muy reducido y que hay que emplear con cuentagotas por muy atractivo que nos pueda resultar a priori.

Segundo, no echar cuentas. Esto cae de por sí: si las vas a echar, cobra religiosamente tu trabajo siempre y paga lo que pides a precio de mercado y/o tarifa. Porque de otra manera, no has entendido la primera regla.

Tercero, hacer el trabajo igual o mejor que si fuera un encargo bien pagado. En una tertulia de la APIV (Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia), el ponente comentaba que un conocido que había hecho un dibujo para un amiguete decía que no se había esmerado mucho: "total, como no lo iba a cobrar...". El ponente dijo -con razón- que esta persona había sido doblemente estúpida: primero por no cobrar y segundo por entregar un trabajo mediocre a sabiendas, por falta de esfuerzo. Pierdes un amigo y das una pésima imagen tuya y de tu trabajo a cambio de nada, y más si ese trabajo lo van a ver más personas. Es algo que la sabiduría popular ya tiene asumido y teorizado hasta en los azulejos de los bares: "Si por fiar tengo amigos y los pierdo por cobrar, para evitarme enemigos lo mejor es no fiar". Confieso que todos mis mejores dibujos han terminado en el circuito del trueque o directamente los he regalado, y de eso pueden dar fe mis cuentas. No hagáis lo mismo (o sí, quién soy yo para dar consejos...).

Pero una cosa es el sistema alternativo del trueque y la generosidad, características además de la profesión, y otra muy distinta es la profesión de la ilustración como tu negocio, tu actividad profesional retriubuida: el trato con clientes: impresores, editores, agencias y otros. En este negocio nunca, repito NUNCA, (disculpad las mayúsculas y la insistencia, pero repito: NUNCA) hay que confundir un ámbito con otro, que una cosa son las chorras y la otra las mininas. En el oficio, que es de lo que trata este pequeño "serial", lo que recomiendo es aplicar estrictamente el Libro blanco de la ilustración** (en adelante LBI) o una adaptación que previamente hayáis realizado, y atenerse a ello.

2.- "Es que los dibujantes sois unos bohemios..."

Este lugar común viene a significar que los ilustradores no tienen las mismas necesidades que el común de los mortales: viven de alquiler en apartamentos minúsculos o en su propio estudio (la buhardilla de 13, rue del Percebe) en los que siempre llevan mensualidades atrasadas, malviven de las ayudas de/sablazos a/ los amigos, son expertos en la práctica el "simpa" y nunca han oído hablar de hipotecas o del colegio de los niños. Son de gastar suela o bonobus y de dieta basada en frutas, verduras, legumbres y tubérculos enriquecida ocasionalmente con bocadillos y pizzas para llevar. La mayoría no saben lo que es una factura y la práctica totalidad nunca ha firmado un contrato; y si no trabajan en negro trabajan de negros. En su fase larvaria hasta que consigue ese chollo de habitáculo, fase que puede durar hasta 40 años, el bohemius illustrator vive "aberronchado" en casa de sus padres. La primera parte retrata a los que ya vemos los 40 por el retrovisor y la segunda los que no (aunque cada vez hay más talluditos en esa tesitura). Para un retrato más exacto de la profesión (y en viñetas, qué mas se puede pedir), qué mejor que las historietas del gran Vázquez o "Los profesionales" del genial Carlos Giménez.

No os equivoquéis: aunque los amigos os lo digan con una mezcla de compasión y envidia a partes desiguales, en boca de quien pretende contratar vuestros servicios significa: "los dibujantes sois como los chinos; podéis sobrevivir una semana con un plato de arroz y un porro, no pagáis impuestos (es decir, no me hagas factura) y nunca perdéis la sonrisa porque -¡no os poséis quejar!- trabajáis en lo que os gusta".

Recuerdo que un editor, al que tengo gran aprecio, me dijo un día: "Es que los dibujantes sois demasiado bohemios". Lo decía en el sentido de que, aunque pienses y vivas como te plazca, esto es un negocio y lo que haces es un trabajo: si los clientes no se enriquecieran con tu trabajo ellos no te lo encargarían.

3.- "Hazlo barato, baratito (o gratis) que te servirá para el portfolio/currículum"

Es impresionante la cantidad de veces que algunos editores, impresores y agencias siguen empleando esta frase, o alguna de sus variantes, con las que intentan embaucar a los ilustradores noveles, incautos, estudiantes todavía o que viven con una relativa falta de apremio económico (en otras palabras: en casa de sus padres, porque no existe, salvo excepcionales excepciones, ilustradores sin apremios económicos).

Hace unos años un amigo me puso en contacto con una editorial situada por la calle San Vicente de Valencia (lamento no recordar su nombre porque tendría gran placer en hacerlo público). En realidad era una pequeña oficina de "intermediarios". Planeaban, en el sentido peyorativo de la palabra, editar una versión de cuentos populares (Caperucita, la Cenicienta, Los Tres Cerditos, etc.) en edición barata y papel pésimo para inundar con ellos kioscos y papelerías a bajo precio para clientes poco exigentes o escasos recursos.

La colección constaría inicialmente de unos 12 títulos y por haber contactado a través de este amigo, ser una "editorial" muy pequeña y un proyecto ambicioso, hice un presupuesto bastante ajustado como anticipo para toda la colección, a falta de negociar los detalles de derechos de autor, plazos y demás. Al cabo de unos días, me llamaron diciendo que finalmente lo iba a hacer (no sé si finalmente se hizo) un dibujante joven y prometedor que lo iba a "ilustrar gratis para su currículum". En otras palabras: estos sinvergüenzas habían embaucado a un chaval seguramente con talento para enriquecerse con su trabajo por la puta cara. Ese mismo día fui al bar y pedí un carajillo, avisando de que no lo iba a pagar pero serviría al camarero como currículum y que a cambio promocionaría su establecimiento entre mis amigos. No coló. Lo intenté con la compra del Mercadona, elogiando la pericia y rapidez de la cajera. Ni por esas. Días más tarde lo intenté con el fontanero pero tampoco...

Con la esperanza de que este dibujante novel lea esto (viendo las visitas a este blog lo dudo, pero no pierdo la esperanza y puede servir para otros) quiero insistir en que este tipo de prácticas no sólo perjudica a la profesión y a los profesionales en general, sino que te perjudica a ti mismo de forma directa y personal al abrir la puerta de par en par a que te pisoteen y desprecien tu trabajo. Laboralmente es una actuación de esquirol (cuando no de intrusismo) y personalmente creo que es lo peor que se puede hacer hacia tu propia dignidad: además de puta poner la cama. Todo sea dicho sin acritud y de buen rollo pues aquí el culpable es el "empresario" que abusa de ti.

Cerrando este punto es importante señalar que ya tenemos edad, desde el más joven al más veterano, para hacernos nuestros propios currículum y portfolio, con trabajos de encargo o hechos ex profeso, sin necesidad de que nadie nos perdone la vida por el hecho de existir y por permitirte que el trabajo que les haces gratis lo puedas enseñar a otro cliente. Como decía el amigo Brassens, ya somos mayorcitos para masturbarnos solos. El debate debería ser, en todo caso, quién mejora aquí su currículum con el trabajo de quién: si el dibujante trabajando para ese editor o la editorial que publica su trabajo.

4.- "Mi primo/sobrino/conozco a uno que/ lo hace igual y mucho más barato..."

Esta frase la he oído mucho también en el comercio (tienda de fotografía) donde he estado trabajando, bajo estas otras formas: "Pues en ... es más barato", "En ... además te regalan ... o te hacen ... de descuento..." y otros por el estilo. Como las anteriores, tampoco me ha funcionado en el Mercadona o en el cine. Pero con la ilustración, además introduce la consideración de que lo tuyo "no es un trabajo de verdad", que "cualquiera lo hace en su tiempo libre" y que "si pides mucho (si pretendes cobrar tu trabajo) te puedes quedar sin clientes". No insistiré más en que, curiosamente, no se lo dicen a los fontaneros, electricistas o mecánicos (no hablemos de los abogados). Pero es pan de cada día para el sufrido ilustrador.

El episodio más extravagante me ocurrió con una especie de cliente (realmente era una "subcontrata" de otro buen cliente, por lo que tuve un gran interés inicial en que el trabajo llegara a buen puerto). Era un tipo impresentable (entre mis clientes estoy seguro que sólo ése se sentirá concernido) que me pidió un presupuesto para una importante cantidad de imágenes. Con el presupuesto en la mano me espetó que conocía a uno que lo hacía, literalmente, por una décima parte de esa cantidad. No entraré en detalles pero naturalmente el trabajo no se hizo (no lo hizo nadie).

Por si acaso esta opinión fuera fruto de la ignorancia, suelo explicar brevemente en qué consiste mi trabajo, qué va a recibir y en qué condiciones y garantías; y que él decida, pero nunca debemos entrar a rebajar nuestro trabajo o tarifas. Si insiste o es evidente que es una treta para "apretarte", normalmente declino la oferta de trabajo y le recomiendo que se lo haga su primo/sobrino/conocido, pues este tipo de personas suelen ser mal clientes, peor pagadores y suelen arrastrar "cuentas pendientes" con otros profesionales del gremio: como dijo quien inventó la marcha atrás, una retirada a tiempo es una victoria.

5.- "Házmelo sencillito** y barato, que es para hacer bolis de promoción..."

Cuando trabajas para agencias de publicidad, impresores (offset, serigrafía, tampografía, etc.) muchas veces recibes el encargo de "adornar" artículos de regalo (bolígrafos, encendedores,...), tarjetas de visita, calendarios, servilletas o cartas para bares y restaurantes, etc. Es difícil convencer a una serigrafía a quien se le ha encargado "un dibujito que acompañe en los mecheros el nombre del bar" de que en realidad te está pidiendo el diseño de un logotipo. Y mucho más difícil convencer al propietario del bar de lo que vale un diseño de logo. Así que terminas "haciendo un dibujito para acompañar en el mechero el nombre del bar". Ocurre a veces que ha gustado tanto que al cabo de un tiempo lo ves estampado en los bolis, las servilletas, el toldo y hasta en el luminoso del establecimiento. O incluso en anuncios en prensa.

Mi recomendación, que es lo que hice durante varios años, cuando me dedicaba a eso, es tener dos o tres iconos por profesión de las típicas colecciones que antes se comercializaban en paquetes o cd (ahora se pueden encontrar gratuitamente por miles en internet). El cliente o impresor elegía el que más le gustaba y se hacía el arte final (antes en papel o fotolito, ahora directamente en un archivo digital) rasterizado al tamaño del encargo (.jpg). ¿Por qué sólo dos o tres? Porque la búsqueda, la diversidad y la originalidad cuestan tiempo y dinero, un tiempo que puede emplear el propio cliente (si quiere: do it yourself). Nuestro trabajo en todo caso es el diseño de logotipo e identidad corporativa, no el de buscar platitos con gambas o copas de Martini en internet para "adornar el nombre del bar en los mecheros". Para eso está el sobrino/primo/conocido/ que lo hace igual y además mucho más barato. ¿Por qué rasterizado y al tamaño del encargo. Lo explicaré a continuación. Esto no tiene aparentemente demasiada importancia, pero os aseguro que todo cambia cuando el intermediario es una agencia de publicidad, el encargo es un dibujito para unos cientos de bolis y la empresa para la que has "hecho el dibujito" es, pongamos por caso, Nike, Apple o la concejalía de Turismo de una gran ciudad de la costa...

6.- "Pásame el dibujo en vectorial, que el trazo queda más limpio..."

Todos sabemos que una ilustración vectorial es escalable: el dibujo se basa en una fórmula matemática que puede aumentarse virtualmente hasta el infinito, mientras que una imagen rasterizada o en mapa de bits se "pixeliza" y deteriora al aumentar de tamaño.

Cuando esta frase acompaña a la anterior (es para bolis de promoción) realmente quiere decir: "Te he pedido un dibujito para estampar en un boli, pero si consigo el archivo vectorial pienso exprimirlo al máximo, incluso haciendo lonas para fachadas o proyectarlo sobre la Luna y que lo vea toda la Humanidad, ¡cágate Batman!...".

Como he dicho antes, este tipo de encargos debemos entregarlos siempre en mapa de bits al tamaño que se ha encargado (pues como veremos cada tamaño y uso tiene un precio). Si se entrega el archivo vectorizado, según mi experiencia, éste debe tener un precio superior acorde a esta característica: el del tamaño mayor al que presumiblemente se vaya a emplear. Una variante es la de "sólo quiero el dibujo en blanco y negro porque es para prensa o para imprimir a una tinta (o sea: hazlo "sencillito", no me cobres colores que ya los pondré yo, pero pásamelo en vectorial, ¿eh?)".

Es importante recordar, insisto, en que NO estoy hablando todavía del diseño de logotipos e imagen corporativa, cuya característica principal (estudio, elaboración, diseño y precio) está directamente relacionada con las características de la propia empresa que se pretende definir y representar y que constituye un trabajo cualitativamente distinto a todo esto.

7.- "La idea es hacer..."

Cuando oigáis estas palabras, aguzad el oído: si precede el planteamiento de un trabajo o proyecto por el que la persona que os lo expone está profesionalmente o sentimentalmente atraída o involucrada, significa que antes de entrar en detalles quiere exponeros una visión global y de conjunto del mismo para contagiaros su entusiasmo y conseguir empatizar. Esto es importante: si te gusta el trabajo y la gente, se pueden acercar más fácilmente posiciones en caso de discrepancias en cuanto a precio, plazos y demás condiciones, pues los cimientos ya están echados. Se trabaja a gusto y si el cliente es receptivo puedes incluso proponer sugerencias y mejoras: muchas veces la idea es buena pero cojea gráficamente (al fin y al cabo el ilustrador eres tú). Aunque hay que tener en cuenta que a veces no se hace de forma transparente sino como "método de ventas", pero eso es relativamente fácil de detectar. Con este inicio he hecho algunos de los trabajos más gratificantes que recuerdo, y también de los más desastrosos cuando fue seguido de alguna de las situaciones siguientes (de 8 a 10)

8.- "La idea inicial te la di yo/dimos nosotros/..."

Eso quiere decir que la idea germinal no es tuya sino que sólo ejecutaste el trabajo según las indicaciones que recibiste. Ellos son el cerebro, la dirección, y tu la mano, el operario. Esto lo he oído al hacer un cartel, al diseñar un folleto, al ilustrar un cuento y al realizar una portada de libro. En resumen, este campo de batalla que a priori parece artificial se reduce a dos cosas: dinero y reconocimiento. Dinero: porcentaje de las ventas o del precio de alzada; y reconocimiento: derechos (patrimoniales o morales, de autoría) o prestigio (por escaso o ridículo que sea: la naturaleza humana es lo que tiene...). Sobre este punto conviene tener claro lo que dice al respecto la LPI (Ley de Propiedad Intelectual) que protege una obra concreta y nunca una idea. Por ejemplo, la idea (tan española) de poner un palo a cualquier cosa no se puede registrar "en general", sino sólo sus concreciones físicas: caramelo + palo = ®Chupachups; mocho + palo = ®Fregona; aceituna y pepinillo + palo = ®Banderilla; tacos de carne adobada + palo = ®Pincho moruno; señor corrupto + palo = ®Regeneración democrática... Sobre los derechos de autor habrá tiempo y espacio suficiente para hablar más adelante.

9.- "...Primero haremos unas pruebas, a ver si nos gusta/funciona..."

Significa que no te vamos a pagar ni la prueba, ni los dibujos ni los bocetos que te encarguemos para poner en marcha el proyecto o producto hasta asegurar que nos sea rentable. No importa que nos hayas enviado un portfolio con tus trabajos: aunque hayamos visto tus muestras, nosotros tenemos que presentar una prueba a nuestro cliente (o poner en marcha nuestro proyecto) y no te vamos a pagar antes de asegurar nuestros beneficios. Nuestro cliente no quiere saber quién va a dibujar, sino ver sus propias ilustraciones sobre la mesa. Por supuesto, si no sale adelante no cobras: al fin y al cabo tú perderás menos que nosotros: sólo un poco de tu tiempo (que vale menos que el nuestro). Es lo que se llama "privatizar los beneficios y socializar las pérdidas" o "lo mío es mío y lo tuyo es negociable". Puro capitalismo, al fin y al cabo. Como supongo que habréis observado, lo más importante en este párrafo es la cursiva.

A veces estas propuestas se hacen presentando un proyecto ambicioso o una perspectiva de trabajo a largo plazo que la hace bastante atractiva, sobre todo en momentos de necesidad y escasez como éste. Desgraciadamente, a menudo suelen terminar con los bocetos y pruebas rechazados y el tiempo perdido, bien porque el proyecto se ha desestimado o ha sido paralizado (algo cada vez más común), bien porque se había hecho la misma propuesta a varios ilustradores para tener dónde elegir (cuantos más mejor) y como reza el dicho: "Para la mayoría de clientes, no hay nada que un niño chino de cinco años no pueda hacer mejor, más rápido y más barato que tú" y no sé vosotros, pero yo no me reencarné en un niño chino de cinco años.

El camino que suelo seguir en estos casos, partiendo de las recomendaciones del LBI y alguna experiencia propia, es:

Primero: infórmate de qué te están pidiendo. En qué consiste el proyecto, en qué consiste la prueba, quién es el destinatario final (si tu cliente es sólo un intermediario), si el encargo se ha relizado a otros ilustradores o estudios, y en función de ello, establece tus condiciones.

Segundo: sentarte ante un papel en blanco ya vale dinero. Como cualquier taller de reparación, sea automóvil o informático, establece un "presupuesto de rechazo" (lo que ahora se llama "precio del presupuesto no aceptado"). Una cantidad por la que se realiza la prueba o boceto y que en caso de ser desestimada por cualquier razón el cliente deberá abonarte. Este punto es esencial porque implica un trato profesional y porque, a diferencia del "presupuesto no aceptado" de un taller, tú les vas a entregar un material que, aunque no vaya a utilizarse, puede servir para que otros se basen en la idea o elaboración que hayas realizado. A este respecto, hace tiempo contactó conmigo una empresa de Toledo para hacer una versión del Ratoncito Pérez. Como casi todos, pues es una práctica habitual, me preguntó si, –naturalmente–, no le cobraría los bocetos de prueba. Le expliqué que sí, que esas cosas se cobran: exigen tiempo, trabajo, y especialmente en el diseño y caracterización de personajes, detallé qué es lo que iba a entregar exactamente (estudio del personaje, del color, etc.) añadiendo además que el rechazo implica la imposibilidad de aprovechar el boceto, idea o personaje en cualquiera de sus formas en el futuro sin un acuerdo previo. La persona con la que traté lo entendió perfectamente, le pareció justo, llegamos a un acuerdo y aunque finalmente el proyecto no prosperó me ingresó escrupulosamente la cantidad acordada. Quiero decir con esto que esa relación depende de nosotros absolutamente y que trabajar de esta forma fomenta la dignidad de la profesión y la nuestra personal, y también la confianza que puedan tener nuestros clientes respecto de la seriedad y entrega en nuestro trabajo: no le vamos a mandar un garabato "a ver si cuela" sino un trabajo por el que ya han pagado o van a pagar. Qué decir que esto es más que recomendable cuando el encargo ha sido hecho a varios dibujantes: ¿te imaginas entrar en un bar, pedir media docena de tapas y pagar sólo la que más te ha gustado? El cliente debe informarte desde el principio si el encargo se ha hecho simultáneamente a otros ilustradores, pues se supone que ha visto trabajos tuyos y ya ha hecho una selección: así nadie pierde el tiempo.

Tercero: si aceptas el encargo (de la prueba), ANTES de meterte en harina plantea en síntesis cuál es tu forma de trabajar y bajo qué condiciones. Para eso es bueno, una vez conocida la naturaleza del encargo de la prueba, del trabajo en su conjunto y del cliente, redactar y exponer un pequeño esquema de cuatro o cinco puntos**** sobre lo que crees que el cliente debe saber y consensuar antes de proseguir. NO lo dejes para después: si no lo iban a aceptar no perderás el tiempo; expone las condiciones del trabajo y plantea tus condiciones antes de proseguir. No se resolverá todo pero sabrás qué terreno pisas y tu cliente también. Si se acepta, no creas que ya está todo el género vendido (hasta el rabo todo es toro) pero ya tienes establecido un campo de negociación más equilibrado en la concreción de los flecos. Y creedme, hay más que en el chaleco de un jipi.

10.- "Creo/creemos/el cliente opina/ que quedará mejor de esta otra forma..."

Escuchar esta frase no suele ser habitual si ilustras un libro de cuentos, un cartel o realizas un trabajo artístico o creativo en general, sobre todo si las bases técnicas están perfectamente definidas (formato, tamaño, nº de tintas, características de la impresión, etc.). Pero sí es bastante habitual en trabajos publicitarios o, como es mi caso, en las ilustraciones de carácter científico, técnico y de divulgación. Es imprescindible establecer un sistema de trabajo**** eficaz y respetuoso tanto con el cliente como con el trabajo propio; que posibilite incorporar sus ideas y necesidades, que normalmente benefician y enriquecen el resultado final aunque te obligue a modificaciones y correcciones, y hacerlo con el menor coste posible en tiempo y dinero. En esta cuestión hay que ser flexible en cuanto que, por mucho que se pretenda que todas las modificaciones se incorporen en el boceto o en la primera prueba, muchas mejoras aparecen sobre la marcha o no han podido madurar hasta que el trabajo está en un estado más avanzado. Un buen ejemplo de ello son las portadas que he realizado para las revistas Chispas y Foros21. Pero la flexibilidad debe ser recíproca: no conviene tolerar continuos cambios del tipo "...y a ver cómo queda así..." o "hazme varios bocetos que yo ya elegiré, ya...". Como dice Miguel Calatayud: "yo presento varios bocetos sólo cuando yo mismo estoy indeciso. Si lo tengo decidido, el cliente sólo ve uno: el que yo le enseño". Si un cliente abusa de este tipo de peticiones y quiere varios bocetos con ligeras modificaciones, siempre le recomiendo que entorne los ojos, abra la mente e intente visualizar...

Una situación particular y más delicada es cuando este tipo de decisiones o colaboración corresponde a un equipo o una "cadena de mando" (un grupo de autores; el editor, el gerente y el director artístico, el autor...). Sobre todo si no comparten criterios o incluso (a mí me ocurrió en una ocasión) son una especie de matrimonio profesional mal avenido en que es suficiente que uno diga "a" para que otro diga "z", una especie de "extraña pareja" desquiciante. En este brete, es imprescindible tener un solo interlocutor y que las instrucciones y condiciones sean "claras, precisas y por escrito". Los que lo habéis sufrido sabéis cuánta razón tengo y cuánta frustración evita un buen sistema de trabajo; y los que no, haríais bien en tomar nota pues no prevenir estas situaciones puede llevar a extremos realmente delicados o violentos si cuando esto ocurre "no tienes el chichi para farolillos".

Bueno, os dejo aquí un enlace a las "9 reglas de oro para el ilustrador profesional" publicado por FADIP. Como veréis, he empezado en la entrada anterior por el principio: el capitulo 1 (La ilustración es una profesión) es una reflexión personal sobre el 1º punto de las 9 normas (Sé quien soy); y ésta tiene relación con algunos asperctos de la segunda (Me gano la vida). En el próximo capítulo me saltaré el orden (para eso está) y seguiré por el final: "Estoy asociado".

También os enlazo el Libro Blanco de la ilustración gráfica en España, para quien no lo conozca. Es entretenido y muy instructivo.

* Esta afirmación, evidentemente, es una pequeña boutade. Naturalmente los clientes, editores y agencias intentan conseguir los mejores trabajos a los precios más económicos y en las mejores condiciones, pero eso ocurre en todos los ámbitos económicos, y más en tiempos de crisis. El que en el gremio de ilustradores y diseñadores se tenga esta percepción "demonizada" corresponde seguramente más a nuestra desunión y, por decirlo así, a una cierta falta de autoestima profesional que invita a los abusos. Por romper una lanza en favor de esas excepciones, diré que he trabajado con editores que me han adelantado pagos a cuenta prácticamente sin reservas, que han financiado y avalado mis primeros equipos informáticos, allá a finales de los 80, o una editorial que contactó conmigo 20 años después de haber dibujado un cuento y haber perdido el contacto (cambié de domicilio, teléfono, etc.) para ingresarme mis derechos de autor.

** El Libro blanco de la ilustración es una publicación de la APIC (Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña) que puede orientarnos a la hora de organizar nuestro trabajo como ilustradores, los aspectos legales y económicoas, tarifas, etc. Sobre estos puntos hablaré más adelante.

*** En el diccionario cliente/español - español/cliente la entrada "sencillo" remite directamente a "barato" como sinónimo, aunque en el encargo se emplea habitualmente la primera.

**** En próximas entradas iré añadiendo materiales como los esquemas que suelo usar o la adaptación del LBI que utilizo, por si le sirve a alguien, aunque es más recomendable que vayáis al libro original de la APIC y que lo adaptéis a vuestros gustos o necesidades. También algún esquema respecto del sistema de trabajo tanto en relación con el cliente como en la realización del trabajo mismo. No lo hago ahora para mentener el interés y porque no se puede todo a la vez.

(Continuará...)

Capítulo 1.- La ilustración es una profesión

10 cosas que cualquier ilustrador debería saber. 1º.- La ilustración es una profesión

2012-01-07T18:09:00.000+01:00

Algunos de estos apuntes son nociones muy básicas, casi de "perogrullo", que todo ilustrador conoce pero que de vez en cuando conviene recordar. Otras, más bien generalidades, serán útiles tanto para ilustradores como para mecánicos, limpiacristales o bodegueros. Pero son igualmente importantes a tener en cuenta, especialmente para los ilustradores. Hay también algunas reflexiones personales, fruto de unos cuantos años de experiencia: es suficiente con que uno tropiece para que otros aprendan de sus errores; y confieso que he aprendido mucho de tropiezos propios y ajenos. Hora es pues de que lo comparta con vosotros.

1º. La ilustración es una profesión.

No descubro nada al decir que el oficio de ilustrador es mucho más que eso, pero también es una profesión. Ilustrar puede ser un arte, somos a menudo artesanos; es un trabajo indudablemente creativo y las más de las veces gratificante. El ilustrador o el dibujante lo es siempre por vocación y seguramente se inició por hobby a una temprana edad (a diferencia del oficio de desatascador de pozos, por ejemplo). Pero, insisto, también es una profesión.

Esto significa en primer lugar que tiene la dignidad,como mínimo, de cualquier oficio. Es más, debe tener el reconocimiento de un trabajo especializado. Una profesión que requiere una continua formación (académica o no), una investigación constante en cuanto a materiales, técnicas, grafismo, comunicación visual,... y cada vez más conocimientos en el uso de programas informáticos y nuevas tecnologías. Esta reivindicación de la dignidad que encabeza este primer apartado no es baladí y se dirige tanto hacia fuera, hacia clientes y hacia nuestro entorno, como hacia dentro, hacia uno mismo y en alguna ocasión incluso a compañeros de profesión. Un tema éste que por su importancia retomaré en el capítulo siguiente, para dejar paso al meollo de éste.

¿En qué consiste pues, para mí, el oficio de ilustrador? Es básicamente una forma de comunicación artística. El músico "transmite" mediante sonidos y melodías, el cantante con su voz, el cineasta a través de sus películas, el actor con su cuerpo, el pintor en sus imágenes sobre lienzos y tablas,... el ilustrador lo hace a través de sus dibujos en papel (libros, cuentos,...), paredes, internet,...

Muchas ilustraciones apoyan el diseño gráfico de una composición, a veces confundiéndose con ella al utilizar tipografías y colores formando un conjunto indisociable (cartelería, diseño corporativo). Otra área de trabajo de cualquier dibujante es la ilustración de cuentos y láminas infantiles o relatos juveniles. En ellos se "funden" dibujos y textos consiguiendo (cuando se consigue) un resultado que incluye y supera a la vez ambos elementos, creando un medio y un mensaje nuevos. Es uno de los trabajos más gratificantes en lo personal y con más "futuro" económico en la profesión, especialmente si se prevé y planifica su versión para formatos digitales o animados. En mi caso, un tercer ámbito en el que, al cabo de los años, también me he especializado, es el de la ilustración científica en biología y geología. Este último está relativamente menos considerado debido, por una parte, a su aparente falta de imaginación (en general, las ilustraciones deben ser razonablemente realistas y sujetas al máximo a las indicaciones de profesionales del sector: zoólogos, botánicos, ecólogos, geólogos, etc.), pero en él se trata de transmitir, además de mensaje y sensaciones o sentimientos, información y conocimiento. Finalmente existen áreas muy especializadas que requieren su propio sistema de trabajo y códigos de comunicación, como la ilustración o viñeta de prensa, el cómic o la infografía.

Todas estas variantes requieren de un profundo conocimiento de la comunicación visual, así como de las herramientas y materiales necesarios para su realización. No os asustéis: en un 99% son el cerebro, los ojos y la mano. El resto se busca, se fabrica o se inventa; y en algunos casos incluso se puede comprar. Consiste principalmente en café, cerveza y a grandes rasgos la relación de materiales que Uderzo y Goscinny inscribieron en la portada de su "Asterix y Cleopatra".

Como podéis ver, existe un abanico de posibilidades para trabajar y especializarse como ilustrador. Cualquiera, con ciertas nociones, puede reconocer, con solo mirar una ilustración, al dibujante de un cómic, una tira de periódico o una viñeta humorística, un cuento infantil o un cartel. Por eso el estilo y la identidad gráfica se busca y se cultiva. Por eso y porque, además, es una herramienta indispensable para que un editor o un director artístico te busque y te contrate. Así pues, permitidme un primer consejo: aunque vayáis a abarcar varias facetas profesionales como ilustradores, intentad imprimir en cada una un sello personal e inconfundible. Pero ese estilo no debe ser el más fácil, ni el más rápido, ni el más económico ni el que menos esfuerzo os suponga, sino el que os permita decir: esto hace posible lo que quiero transmitir. Esto es lo que hago y quiero hacer. En mi caso decidí no hacerlo. Es decir, no buscar y desarrollar un estilo propio y personal, consiguiendo a cambio una versatilidad de otra forma difícilmente alcanzable. Esto limita las posibilidades de éxito y reconocimiento de forma muy importante, casi drástica, y hace que sólo los editores que confían plenamente en ti se atrevan a llamarte.

Este oficio, como el conocimiento que se va adquiriendo (no solo en cuanto a técnicas y materiales sino en general) está sujeto a constante cambio y evolución. No nos debería encorsetar o reducir nuestro trabajo a la aplicación de un esquema repetitivo que termine "secando" nuestro trabajo. Ésta es una de las tareas más delicadas, el principal peligro (tras la falta de trabajo) para cualquier artista y la razón principal por la que, conociendo mis limitaciones y mi forma de trabajar, decidí en contra de lo que os acabo de aconsejar, rehuir de un estilo de ilustración personal. Cada uno debe tratar de resolver con éxito los momentos difíciles (que llegan, no lo dudéis) en los que nos enfrentamos al hecho de ser honestos con nosotros mismos: en que nuestro trabajo nos mira y nos dice: "esto está bien" o "esto no está bien". Sobre este punto os recomiendo encarecidamente la lectura del libro "El conejo en la chistera" de Lucio Muñoz; un recopilatorio de notas y artículos del pintor publicado tras su muerte y una delicia para cualquier lector.

He hablado del conocimiento que se va adquiriendo. Uno de ellos, imprescindible, es el de la técnica y los materiales: cómo crear lo que queremos que los demás vean y de la forma que queremos que lo sientan. Desde texturas hechas con esponjas o cuerdas sobre materiales rugosos hasta patrones con colores psicodélicos por ordenador, la gama es inabarcable. Sobre ello versan la mayoría de los libros y fascículos para aprender a pintar, a dibujar y a diseñar. No me extenderé en ello, pero he creado un apartado en el menú "Otros" del blog del estudio (que espero ampliar con vuestra ayuda) donde podéis encontrar ayudas y referencias de este tipo.

Un segundo tipo de conocimiento es el referido al tema que se va a ilustrar: no se puede (o no se debe: poder se puede pero considero que no está bien) ilustrar un cuento, un libro, una lámina, y mucho menos un trabajo técnico sin un estudio previo y un conocimiento lo más profundo posible (y eso debe ser mucho, mucho) del tema que se va a plasmar. Pondré un ejemplo: cuando la editorial Ecir me encargó la ilustración de un cuento boliviano de Alejandra Náyar para su colección "Cuentos del Mundo", me documenté exhaustivamente sobre la vegetación, animales, tipos de suelo, construcciones de las viviendas, tradiciones, vestimenta y fisionomía de los habitantes de la región en que se desarrollaba el cuento y particularmente de los colores y formas usados en su tradición pictórica. Otro ejemplo es cuando la editorial ICE Salud&Vet de Barcelona me encargó un póster informativo en que aparecían los estadios de infección por Clamydia del ganado ovino. El mismo trabajo de estudio permitió completar y mejorar los detalles de la ilustración, hecha inicialmente a partir de la información suministrada por la editorial, correcta pero escueta.

Uno naturalmente es libre de echar por la borda posteriormente todo ese estudio previo y hacer lo que le venga en gana, o incorporar de alguna manera ese bagaje a su estilo personal. Pero sólo si se ha realizado ese trabajo se puede valorar adecuadamente qué hacer con él: es mejor que los momentos de lucidez le pillen a uno trabajando y con los deberes hechos.

Esta forma de abordar un trabajo me ha sido especialmente útil como ilustrador de contenidos científicos, donde la claridad y exactitud de las ilustraciones adquiere una gran importancia. Es increíble la cantidad de erratas gráficas existentes en los libros de texto, incluidos los de editoriales de prestigio, que van "saltando" de unas editoriales a otras (el "fusilado" de ilustraciones es una práctica habitual en el gremio de las editoriales de libros de texto), fruto tanto de la falta de preparación de los ilustradores para ese tipo particular de trabajo como por la escasa atención que muchos autores prestan a la ilustración, que consideran de menor importancia que sus textos (o de su incapacidad para dar instrucciones precisas). No se trata de abrir en canal un ser humano si nos encargan ilustrar su sistema digestivo (cosa no recomendable pero tampoco imposible) sino de documentarse yendo a las fuentes de ese conocimiento (publicaciones especializadas, fotografías, Facultades o investigadores) y no a los buscadores de internet o las láminas de ciertas editoriales de libros de texto o enciclopedias que tanto daño han hecho al conocimiento y a la vista y que solemos tener en nuestras estanterías como primer y amenudo último recurso. Tampoco se trata sólo de "saber cómo dibujarlo" sino de "saber qué es, cómo funciona, cómo se mueve, para qué sirve, qué aspecto tiene desde diferentes puntos de vista o en diferentes estados. Si fue siempre así o cómo ha ido evolucionando y modificándose, en el tiempo, en el especio, en su composición...", aspectos muchos de ellos que no tienen necesariamente una relación directa con lo visual. Sobre este punto recomiendo a los ilustradores las introducciones del paleontólogo Steven J. Gould a sus libros "La Vida Maravillosa" y "El Libro de la Vida" (también recomiendo, por supuesto, leer el libro entero). En resumen, en este aspecto, después de más de 20 años como ilustrador de libros de texto y científicos, me considero (porque así me consideran muchos profesionales con los que tengo el placer de trabajar) un biólogo o geólogo –un científico– visual más que un dibujante de libros de texto.

Finalmente, un tercer y último tipo de conocimiento, para mí el más importante, es aquél que proviene del "bagaje" que uno va acumulando en el trayecto que recorremos y que apoya todo lo anterior: a veces técnica, a veces experiencia, siempre una suerte de sabiduría que te empuja por el camino emprendido o te guía por otro al que inicialmente tenías pensado, que te dice cuándo parar, cuándo volver y comenzar de nuevo, que hace que de repente debas cuestionarte lo hecho o lo aprendido, que te obliga a detenerte, inmóvil, cuando de repente salta un chispazo, que de otra forma habría pasado fugaz, inadvertido. Un conocimiento que emana de toda tu experiencia pasada, de tu relación con los niños al ilustrar un cuento, de lo que se llama genéricamente, para no entrar en detalles, " tu compromiso social" o tu lugar en el mundo, de tu primera visita al Museo del Prado o de la primera vez que comprendiste, de niño, que todos tus seres queridos iban a morir, y tú también.

Para finalizar este capítulo: para ser ilustrador también ayuda el hacer otras cosas. Estudiar, leer, escribir, viajar, amar; y conocer: filosofía, historia, geografía, política, ciencia; y disfrutar: de la música, la pintura, el cine, el teatro, de la gente... ¡qué bonita profesión, joder!

(Continuará...)

No son recortes, son saqueos

2011-10-14T11:57:00.003+02:00

Nos dicen que "hemos vivido por encima de nuestras posibilidades" y que ahora debemos "apretarnos el cinturón" para "pagar nuestras deudas".

¿Es esto así, o son los bancos los que tienen deudas con acreedores extranjeros? Inversiones que el estallido de la burbuja inmobiliaria han convertido en incobrables, préstamos que han empleado para capitalizar cuatro grandes empresas y bancos.

¿Quién debe más, Grecia o Francia, España o Estados Unidos? Nos echan a la calle para quedarse con nuestras viviendas, nos echan del trabajo para engrosar las colas del paro, nos encarecen los medios básicos de vida: luz, agua, gas, transporte, nos suben los impuestos y nos niegan el crédito mientras ellos siguen enriqueciéndose y aumentando sus beneficios, desviando los recursos de todos hacia bolsillos privados en Sanidad, en Educación o de los directivos de Cajas y Bancos.... Y lo llaman "recortes para salir de la crisis". No son recortes, es un auténtico saqueo contra toda la población. Y lo peor está por llegar...
Si quieres descargar la imagen a mayor resolución, envíanos un @correo.

Pánico en las aulas. Foros21 nº 95

2011-10-14T10:43:00.006+02:00

La portada de la revista Foros 21 de septiembre va dedicada a los recortes a la enseñanza que sufre todo el sistema educativo en nuestro país.

Los medios centran la atención en los recortes más drásticos que sufren estudiantes y profesores, y que en su mayoría coinciden con los aplicados en las comunidades gobernadas por el Partido Popular (las competencias en Educación están transferidas a las Comunidades Autónomas). Sería un error pensar, sin embargo, que es atributo de la derecha y que el Partido Socialista está dispuesto a desarrollar, como afirma el candidato Rubalcaba, una política sustancialmente diferente.

La realidad es que la merma del presupuesto destinado a la enseñanza en España corre pareja a las exigencias del BCE, Merkel y Sarkozy de que se vacíen las cajas públicas (Educación, Sanidad, pensiones,...) para pagar las deudas privadas que bancos y cajas españoles contrajeron con el gran capital europeo. Y en eso, como recientemente en la vergonzosa modificación de la Constitución española, ambos están, en lo principal, de acuerdo: ninguno está dispuesto a cuestionarlo.

Mientras tanto, a medida que se acercan las elecciones, los equipos electorales y sus voceros en los medios de comunicación redoblan sus energías para radicalizar el programa bipartidista e intentan vender su "marca". Lo último, el famoso "impuesto a los ricos". Si es patética la argumentación de las voces que desde el Partido Popular (o CiU) se oponen a la medida, lo peor es la demagogia con la que ha sido presentada esta auténtica cortina de humo a la opinión públoca por parte del staff Rubalcaba. A propósito, ¿qué pasa con las Sicav? ¿Cuándo van a devolver bancos y cajas el dienro que se les ha entregado? Por cirto, ¿alguien ha oído hablar de la Orden Ministerial sobre Transparencia Bancaria, cursada a finales de julio para que el período de alegaciones coincidiera con el mes de agosto, y que será aprobada por el Gobierno Zapatero con el silencio cómplice del ex-vicepresidente en "excedencia"?

La indignación se extiende. Foros21 nº 94

2011-10-14T10:20:00.010+02:00

La revista cultural Foros 21, de los Ateneos Culturales XXI, dedicó su portada de agosto 2011 a la ola de indignación que recorre medio mundo (de Chile a Madrid, de Londres a Tel-Aviv,...) contra las medidas que cargan sobre las espaldas del 90% de la población "los recortes para salir de la crisis".

La ilustración de Antonio Corts enlaza el tema editorial de la rebelión de los indignados contra los centros de poder económico y político que imponen un auténtico saqueo a las arcas de los Estados y los bolsillos de la ciudadanía, a modo de "David contra Goliath", con los últimos estrenos de la flatulenta industria de Hollywood.

Aparentemente agotados y visiblemente incapaces de producir otra cosa que "remakes" con parafernalia de juegos artificiales, espectáculo vacío e insustancial, ni siquiera el "filón" de los superhéroes de mallas, capitas y antifaces con "superpoderes" es ya capaz de ofrecer atractivo alguno ni al público interior ni al exterior por mucho que su virtuosismo en publicidad, merchandising y, por qué no decirlo, la cautividad de los canales de distribución en España, aparentemente parezca apuntar a lo contrario.

Tras las decepciones (por decirlo suavemente) de Thor, Capitán América o la "Linterna verde" (¿qué coño de superhéroe es ése?), la llegada del nuevo Conan ha servido al menos para poner en valor las dotes interpretativas de A. Schwarzennegger. Ni siquiera el Origen del Planeta de los Simios, que merece una mención aparte por su loable intento de recrear el origen de la conocida saga con un planteamiento intersante, inteligente y elaborado, se libra de la sobreabundancia de "tics" truculentos y las excesivas concesiones al espectáculo 3D: el camino más fácil y corto a la taquilla y lo que "vende" en el business. Y es que la cabra tira al monte.

En el interesante artículo de la revista, "Capitán América vs. Superlópez" (originariamente "Hollywood frente a Bollywood" ya que además del cine español hace unr epaso a la industria cinematográfica en países como India o China) se desgranan algunos datos de interés que permiten tomar otro punto de vista sobre la situación actual del cine español e internacional: Por ejemplo, que el New York Times señala a España como "Un país rico en joyas cinematográficas", que algunos documentos de Wikileaks destaparon el interés de EEUU en la aprobación de la ley Sinde para preservar sus privilegios en el mercado nacional, las potencialidades de nuestro cine en el mercado iberoamericano, donde compartimos lengua (una potencialidad compartida con todos estos países) o la próxima firma de un convenio de cooperación entre España y la India. En este sentido, la película "Sólo se vive una vez", una coproducción hispano-india, ya se exhibe con éxito en 1.800 pantallas en la India y la canción "Señorita" de la cinta, cantada por María del Mar Fernández (en hindi y castellano) es un "hit" en el país asiático.

Faltan tres días para el 19-J

2011-06-16T22:37:00.007+02:00

Faltan tres días y policía, gobierno y oposición empiezan a ponerse nerviosos ante la más que previsible participación multitudinaria a las concentraciones del próximo 19-J convocadas por el movimiento 15-M y Democracia Real YA!.

Desde hace varios días, la labor de infiltración de la polícía está intentando poner en entredicho el movimiento de los indignados. No nos equivoquemos: detrás de cada exaltado, de cada violento, de cada "borroka" se esconde, la gran mayoría de las veces, un policía. El movimiento ciudadano es pacífico y no violento, y ésta es una de sus fortalezas, a pesar de las reacciones histéricas de los Artur Mas, Esperanza Aguirre y compañía.

Pero que nos quede claro: aunque sea la "derecha" la que clame al cielo públicamente, exija respeto a las autoridades y suplique mano dura al Gobierno contra los "insurrectos", es la mano de ese mismo Gobierno, con Rubalcaba a la cabeza, la que tira la piedra. Es la policía capitaneada por el ministro del Interior y futuro presidenciable pírrico quien está detrás de la mayoría de actos vandálicos perpetrados esta semana, en un intento, si no de arrastrar a parte del movimiento por la pendiente de los excesos, al menos de presentarlo como cada vez más vacío de razones y de respaldos ante la "opinión pública", opinión que ellos mismos oldean y condicionan (como no se cansa de denunciar acertadamente el M-15-M) a través de la prensa, la radio y TV.

Trázese un círculo rojo sobre cada individuo que agrede cargos electos o arroja objetos contra escaparates y se tendrá la plantilla, bastante aproximada, del cuerpo de infiltrados policiales en entre el movimiento ciudadano.

Para muestra un botón: mucho se ha hablado de la actuación intimidatoria de los ciudadanos ante las Corts valencianas. En el siguiente video puede verse parte de lo ocurrido y de dónde provino la "violencia" (aunque está rotulado por error como la investidura de Camps, el presunto –por imperativo legal– delincuente. Sobre el minuto 0,30 un policía le abre literalmente la cabeza a una joven (queda fuera de foco), que queda tendida en el suelo sangrando por la boca ante la indiferencia policial. Al parecer, esta mujer ni siquiera forma parte de la concentración. También puede verse cómo se llevan a una chavala de 19 años, se supone que por "agresión a la autoridad". Pero aún más interesante que esto, es la actuación de los infiltrados: un curioso personaje, con camisa roja, pantalón corto, mochila y "pinganillo", un infiltrado policial "calentando" a la gente". Naturalmente, hay más, y no es difícil descubrirlos, al menos uno: el que increpa histéricamente a un policía sin sufrir ningún daño. En el segundo video en el minuto 6,30 se puede ver cómo actua esta gentuza.

Así que el 19-J, todos con cámara, de fotos, de video o móvil, para identificar a los infiltrados, que se conozcan públicamente, a colocarlos en la web en carteles de "delincuentes buscados", como en el oeste o los delincuentes de la kale borroka, y a expulsarlos de las concentraciones.

Por cierto, merece la pena ver los videos hasta el final. ¡Valientes sinvergüenzas! Menuda gentuza, y se creen "fuerzas del orden". Por cierto, ¡Rubalcaba dimisión!

Nueva convocatoria para el 19 de junio

2011-06-09T11:02:00.010+02:00

Las acampadas y plataformas del movimiento 15-M y la web Democracia Real Ya están convocando nuevas movilizaciones para el 19 de junio.

No esperemos hasta esa fecha: aprovechemos estos días para unirnos y ampliar la convocatoria a todo nuestro entorno y en internet. En la web de DRY encontraréis los lugares de convocatoria y medios de contacto a medida que se vayan concretando en cada ciudad.

¡Nos vemos en la calle!

Los medios de comunicación y las castas políticas nos quieren hacer creer que el PP ha arrasado, cuando sólo ha salido fortalecido en poder (diputados y concejales) gracias a la debacle del PSOE de Zapatero. Silencian el aumento de la abstención, del voto nulo y en blanco, nos ocultan que el sistema electoral está diseñado para favorecer un sistema de poder y decisión en manos de la banca, la oligarquía y las burguesías monopolistas europeas y de EEUU, y ningunean la creciente ola de indignación que recorre nuestro país. Ellos quieren que seamos como Grecia, pero juntos podemos tomar el camino de Islandia.

Intento de desalojo en P. Cataluña

2011-06-03T10:17:00.007+02:00

Democracia Real Ya en Madrid ha publicado en su web un video con vista aérea del intento de desalojo de la Pza. Cataluña, con cargas policiales, agresiones y disparos contra la gente indefensa cuando los camiones de la basura ya se habían llevado todas las pertenencias de los acampados (supuestamente el objetivo de la actuación).

El movimiento generado a partir del 15-M sigue ocupando las plazas, pero probablemente ha llegado el momento de dar, por un lado, continuidad a las movilizaciones a través de otros cauces a medio plazo, de consolidar la incipiente organización y coordinación creadas, y de perfilar las propuestas ciudadanas que estos días se han ido recogiendo y estructurando. Y sobre todo, de participar, apoyar y colaborar, en tu ciudad, en tu pueblo, con lo que sepas hacer: Democracia Real Ya

Si quieren caldo, van a tener dos tazas

2011-05-27T20:23:00.021+02:00

(Imágenes reproducidas de Antena3 en Youtube)

Tiempo les ha faltado, con los rescoldos electorales aún calientes, para arremeter contra los indignados del 15-M. Con la excusa más estúpida que pueda imaginarse ("por higiene" según Artur Mas) han lanzado con alevosía y por sorpresa contra el campamento a las "fuerzas del orden" (los Mossos d'escuadra, por cierto la organización policial más reaccionaria de todo el Estado).

Para "limpiar" la plaza se han empleado a mandoblazos de porras y se han incautado de la documentación e información de los acampados llevándose los ordenadores, como si se tratara de un inmenso talde etarra o una macrocélula de Al Quaeda. Desde luego, la dimisión o destitución fulminante de Felip Puig, conseller de Interior de la Generalitat ("la actuación policial ha sido más que correcta"), debe ser la primera medida a exigir. Pero no la única. La respuesta de todos debe ser masiva: en Barcelona, en Madrid, en Valencia, en Sevilla,... ¡que se disuelvan ellos!

Otra medida, al hilo de las imágenes de la violenta represión de los acampados, en directo por Antena3 y en diferido por rtve, es la identificación y enjuiciamiento de los "valientes" mamporreros de negro y de sus mandos (policiales y políticos), por las agresiones que han tenido la desfachatez de justificar "por la agresión de algunos concentrados" como puede verse en todas las imágenes de televisiones y reporteros gráfico, y particularmente en la galería fotográfica de la propia televisión española. La "autoridad policial", parodiando a Groucho Marx, inquiere: "¿A quien va a creer Vd., a mí o a sus ojos?". Y el enjuiciamiento por la ilegalidad de ocultar su nº de identificación (valientes encapuchados), así como la destitución (o que se vaya a pastar fango) del tal David Miquel, portavoz del sindicato de polícía de Cataluña, quien lo justifica con un argumento tan imbécil que deja a uno perplejo: que sí llevan la placa identificativa pero "debajo del chaleco". Si Superman es capaz de ponerse los calzoncillos encima de las mallas, ¿no pueden ponerse las placas encima del chaleco, que es donde deben estar, obligatoriamente visibles? ¡Menudo gilipollas!

Llega la información sobre heridos: 121 heridos, de ellos ¡37 mossos! (se habrán roto alguna uña de tanto aporrear a gente indefensa). Y las declaraciones del PSC tampoco tienen desperdicio: "Estamos de acuerdo en limpiar las calles de estos indeseables, pero con otras formas" (ellos son más partidarios de las multas, es más refinado y no sale en la tele). ¡Menudo atajo de indeseables!

Entrevistas en "La aventura de papel"

2011-05-26T13:14:00.017+02:00

La Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia ha realizado un weblog a través del que se pueden conocer las obras de la exposición "Aventura de papel", que se inauguró en el C.C. Gran Turia en febrero y se trasladó a la Fira del Llibre de València en abril, donde estuvo expuesta hasta su clausura. Más de 100 autores ilustraron grandes relatos de la literatura universal. El weblog Aventura de papel pretende, además acercar a los visitantes los detalles del proceso creativo de cada artista.

En el weblog se podrán conocer además los motivos de su elección y algunas reflexiones sobre su trabajo, con la posibilidad de acceder directamente a los artistas haciendo preguntas y comentarios.

En este artículo recogemos la ilustración y entrevista a Antonio Corts y recomendamos la visita al weblog de la APIV "Aventura de Papel", que se irá actualizando periódicamente con nuevas entrevistas.

LA ILUSTRACIÓN

LOS BOCETOS

LOS DATOS

1- Nombre: Antonio Corts (Estudi Alfandech)
2- Título de libro y autor: Tarzán de los monos, de Edgar Rice Burroughs
3- Fragmento ilustrado: No ilustré ningún pasaje literal en particular. Es la representación de una etapa de la vida de Tarzán (entre 5-6 años) criado en la horda de simios.
No ilustré ningún pasaje literal en particular. Es la representación de una etapa de la vida de Tarzán (entre 5-6 años) criado en la horda de simios.

4- Contacto (e-mail, web, blog):
correo@antoniocorts.net
www.antoniocorts.net
http://antoniocorts.blogspot.com

LAS PREGUNTAS:

¿Por qué escogiste ese libro para tu ilustración y ese pasaje en particular?

Mi primera elección fue “El libro de la selva”, de Rudyard Kipling, pero ya estaba "cogido”. Estoy trabajando en una versión de Caperucita Roja y la figura del lobo me parece muy sugerente.

Tarzán era mi segunda elección. Con algunas diferencias, es una novela con un argumento bastante similar y toca un tema que me parece muy interesante: el tránsito –de ida y vuelta, o no– de una sociedad a otra, de un mundo a otro, con las implicaciones personales que ello conlleva (transformación, inadaptación, conflictos morales, de sistema de valores). Un viaje entre mundos coexistentes que exigen decisiones a veces incompatibles (es como Robinson Crusoe pero al revés). Sin embargo, estos dos mundos no son, mecánicamente, el mundo de los hombres y su civilización, por un lado, y los simios y su selva, por otro. Ambos mundos encierran sus contradicciones, su cielo y su infierno, y se los va llevando uno a cuestas.

El pasaje ya lo tenía escogido con “El libro de la selva” (Mowgli creciendo jugando con sus hermanos en la manada de lobos). Influyó en la elección el saber que las ilustraciones de “Aventura de papel” pueden servir para un proyecto de “Save the Children”, pero la razón principal es que creo que el centro de ambos pasajes es la infancia y la familia, el amor y la felicidad, el “hogar”; y en ambos casos un hogar muy sui generis. Como dijo alguien, “la patria del hombre es su infancia”, esa etapa salvaje, primitiva y curiosa de nuestra vida en que percibimos y vivimos las cosas de una forma que perdemos irremediablemente con la edad. Y en esta historia, además, desde un planteamiento radical en el que no importa si es la familia biológica, ni siquiera si es de tu misma especie (un concepto de familia un poco almodovariano). O puede que, como dijo Ben Ramson (Lee Marvin) en “La leyenda de la Ciudad sin Nombre: “Lo que pasa es que yo tengo otro concepto de familia”. Pero tampoco sin llegar a la estupidez de humanizar a los animales, como hace Walt Disney. Descubrimos unas relaciones que, si bien eran fábulas en tiempos de Burroughs, gente como Jane Goodall o Diane Fossey supieron revelar, y a un nivel mayor y más fascinante de lo esperado. Y como le ocurrió a Darwin, mayor de lo que la sociedad estaba dispuesta a reconocer. El engaño está tanto en querer “humanizarlas” como en negarlas.

¿Cuándo leíste el libro? ¿Qué sensación guardas de esa primera lectura?

Ja, ja, me habéis pillado. No he leído el libro. Leí algunos pasajes sueltos (casi toda la primera parte), creo que con 14 años, en casa de un amiguete que lo tenía, pero nunca lo he leído de principio a fin. De esas lecturas ocasionales sólo recuerdo cuando los simios encuentran al pequeño. Mi relación con el relato es a través de las películas (las de Johnny Weismuller, Greystoke, y, tangencialmente al tema, “Gorilas en la niebla”, “Instinto”,…) pero sobre todo a través del cómic, de Harold Foster, Burne Hogart, y las ilustraciones de Frank Frazetta. No he visto el Tarzán de la factoría Disney salvo en el “merchandising”, que es imposible evitar.

¿Tuviste clara la imagen desde un principio o fue un proceso de definición, de concreción, de la imagen final?

Sí, tanto que prácticamente fue sustituir los lobos de Mowgli por los monos de Tarzán, con los cambios de composición, anatómicos y de comportamiento que conllevó. La principal diferencia es que en una el niño jugaba con sus hermanos lobos, y en Tarzán está jugando con su madre.

¿De qué elementos esenciales partiste, qué es lo que tenías claro que debía aparecer; cuál es el centro de la ilustración, en definitiva?

El centro es el amor y la felicidad, el cuidado y la protección del niño por la horda, y en primer plano por la madre. Por una madre peluda, tierna, sonriente y de pechos exorbitantemente generosos (las simias no tienen esos pechos). El ideal de madre, vamos. Amor y felicidad representados por la pareja madre-niño, cuidado y protección que aparecen en la desparasitación de los pequeños, el bebé en el regazo de otra mona y el viejo vigilante del grupo.

Cuéntanos cómo has ido elaborando la ilustración. ¿Has hecho uno o varios bocetos?

Con la escena en la cabeza (bueno, en mente), he hecho un solo boceto a lápiz, concretando más las figuras principales. Intento no definir demasiado los elementos secundarios en el boceto porque eso me da mayor libertad para improvisar luego. He escaneado el boceto una vez me ha parecido suficiente y he trabajado posteriormente con ordenador y tableta gráfica.

¿Has añadido o eliminando elementos a medida que ibas definiendo la composición? ¿Crees que ha sido un acierto? ¿Por qué?

Una duda al principio ha sido si representar a una horda de chimpancés (como la “Chita” de Weismuller), de gorilas (como ha escogido Disney) o de simios indefinidos (casi subhumanos) del relato original, de las ilustraciones de Hogart, Foster y, sobre todo, Frazetta, o en Greystoke. Finalmente he optado por simios pero algo parecidos a chimpancés, especialmente el viejo (que parece casi de otra especie). Es un pequeño homenaje a Coco, un chimpancé muerto a tiros en la cárcel de Valencia (algunos lo llamaban zoo) el 14 de abril de 2005 mientras intentaba escapar con su familia. Ésa es otra de las razones de haber escogido Tarzán: el bueno de Coco es también ahora la imagen de mi estudio (Alfandech).

Un elemento eliminado es que al principio aparecía, en una rama muy lejana, arriba a la izquierda, la silueta de un leopardo (el mono viejo miraba hacia él). Se puede ver en el boceto, encima del pie de Tarzán. Pero por muy pequeño y matizado que lo hiciera, (lo fui empequeñeciendo y colocando cada vez más arriba y a la izquierda) la vista se iba hacia él, y no es lo que quería. Así que lo he eliminado, aunque sin cambiar la mirada del viejo, que no mira la figura sino a un peligro ya hipotético.

Otro elemento ha sido el mismo viejo simio. Lo había trabajado con los colores ligeramente atenuados (en plansfumato) para separarlo y alejarlo un poco del grupo (está vigilando posibles peligros, es un centinela), pero no me gustaba el resultado. Finalmente, he buscado este mismo efecto tratándolo como un boceto, aunque no lo sea: en realidad ha sido la última parte del dibujo y una de las más trabajadas, el “boceto” está dibujado encima después de terminado el dibujo. Creo que muchas veces nos gustan más los bocetos que el resultado final; a veces los utilizamos directamente, otras los dejamos “transpirar” a través del arte final,… una vecina mía, viuda de un pintor, acostumbraba a decirle a su marido en un momento determinado: “¡Deja de sobarla (la pintura), que la jodes!” En ese instante, el hombre dejaba los pinceles y daba la obra por terminada. Creo que a este mono lo había sobado demasiado.

Otro detalle que me ha tenido en vilo ha sido la expresión de la madre. Quería conseguir una mirada tierna, cariñosa, pero la morfologia de la cara, en particular las “patas de gallo” que aparecen cuando se ríe un chimpancé o un humano (a pesar de la industria cosmética), le daban una expresión alegre, pero no tierna. He optado por unas arrugas verticales irreales que enmarcan la cara, inspiradas en los orangutanes, que les dan un aspecto de peluche tierno y tristón.

Para el fondo he intentado reducirlo a su mínima expresión de detalle y darle la mayor claridad posible, huyendo de la atmósfera claustrofóbica presente en casi todas las fotografías de selva que he consultado. Inicialmente estaba mucho más oscuro, más agobiante. De esta forma está más acorde a la sensación de paz y felicidad que quería que transmitiera.

¿Has llegado en algún momento a cambiar radicalmente el planteamiento, has llegado incluso a desechar todo lo hecho y partir de cero con otro dibujo? ¿Por qué?

Lo hago muy raramente, y no en este caso. Sólo cuando se me ocurre una idea mejor o cuando veo que estoy abocado a un callejón sin salida.

¿Qué técnica has utilizado? ¿Es la que usas habitualmente? ¿Utilizas otras?

Para mí el boceto es muy importante, tanto que algunas veces no lo hago. Normalmente concreto sólo las figuras principales y la escena queda encajada con unas pocas líneas a lápiz de grafito. Intento trabajarlo sólo hasta que “visualizo” la ilustración, ni un trazo más. Una vez escaneado, trabajo con tableta gráfica, con un programa de tratamiento de imágenes y con otro de pintura digital. Voy pasando la ilustración de uno a otro según las herramientas y efectos que vaya necesitando incorporar.

Sí es la que uso normalmente. A veces también hago ilustraciones con programas de dibujo vectorial (sobre todo para animación) pero no me gusta tanto el resultado final, demasiado limpio. Trabajo mucho ilustraciones para editoriales de libros de texto o publicaciones, con plazos cortos y que piden comodidad (archivos digitales ya optimizados en lugar de originales en papel). Además, existe una maravilla de la tecnología, el famoso Ctrl+Z (Cmd+Z en Mac) que no me funciona con otras técnicas. Utilizo poco el gouache, acuarelas, acrílicos u óleos. Algo más la tinta y los lápices. De todas formas, estoy planteándome volver al papel y las técnicas tradicionales. Es una sensación (y un placer) que a pesar de todo no te da el ratón.

Crees que el lector vería el relato de otra forma con tus ilustraciones? ¿En qué sentido?

No lo sé, supongo que sí. Es inevitable si ofreces imágenes de un texto: no creo que nadie leyera igual “La guerra de los mundos” de H.G.Wells después de ver la película de B. Haskins (1953) que después de ver la casquería de Spielberg. Además, seguro que sí en mi caso, con Tarzán y para un público más infantil. A todos nos ha pasado. Mi ilustración es diferente del relato adulto, nada que ver con la estética de Foster, Hogart o Frazetta. Y tampoco don el “pastiche Disney” (¡Dios mío, mi Tarzán tiene pilila!). Es lo más parecido que he podido dibujar a cómo creo que habría imaginado esa escena con 14 años: muestra la dureza y suciedad de la selva, con su roña, sus piojos, sus garrapatas, su olor a sobaco… supongo (espero) que un niño lo notará.

¿Hay algo que quieras añadir?

Sí. Quedé impresionado por la exposición de “Aventura de papel”, creo que este “catálogo virtual” nos puede ayudar a comprender cómo hemos visto cada uno los relatos que hemos elegido ilustrar y, más allá, cómo “comunicamos”, cómo nos planteamos nuestro trabajo y el proceso creativo, y poder aprender unos de otros y enriquecernos colectivamente y con el público. Creo que es una iniciativa estupenda.

Nueva web del estudio Alfandech

2011-04-12T10:02:00.018+02:00

Por fin el estudio Alfandech ha abierto la web. Habemus Papa. Ahora sólo nos falta ordenar un poco el local y preparar la gala de inauguración.

Tenemos a varios miembros del equipo trabajando contrarreloj preparando la decoración y las invitaciones, así que con un poco de suerte lo celebraremos antes de San Juan. No sé qué le pasa al decorador, que tiene una fijación por el color verde y lo está dejando todo perdido...

Una vez lanzados a la piscina, vamos a intentar que la web se actualice con regularidad, sea un escaparate de nuestros trabajos y un lugar de interés para quien busque información y enlaces a recursos y otros contenidos. Mientras nos pensamos lo de crear una cuenta en Féisbuc y Tuítel (algo que nos han recomendado encarecidamente en el zoo, pero no nos acaba de convencer), os esperamos todas las semanas con contenidos nuevos en www.alfandech.es.

Exposición en la Feria y blog

2011-04-07T18:03:00.009+02:00

Bueno, han pasado casi dos meses desde mi última entrada, y parece que no haya pasado nada... Pero sí.

Lo primero, que la exposición "La aventura de papel" se ha trasladado a la Feria de Valencia, que se inauguró el 7 de abril, y se podrá visitar hasta el 17 y conocer a muchos de los autores, algunos de los cuales estarán firmando sus trabajos.

Especialmente interesantes son las actividades este fin de semana de la Mostra Cómic, que podréis ver aquí: http://lapicerosdecoloresdelamostra.blogspot.com.

Lo segundo, que a la gente de la Asociación (Miguel, Verónica, Javier, Manuel,...) no sólo les gustó la idea de hacer un catálogo de la exposición sino que la han acogido con tanto entusiasmo y ganas de que se materializara que mi primera idea de "hacer una pequeña selección y predicar con el ejemplo", pensando que iba a costar un poco porque todos andamos atareados, me parece ahora un poco ridícula: tenemos una Asociación estupenda. Pobre, eso sí (el catálogo será virtual y su impresión es bastante improbable), pero estupenda. Así da gusto y ganas de hacer cosas. De paso, felicitarles por el curro de la exposición, en Gran Turia y en la Fira. Por cierto, el catálogo virtual ya está en marcha con las primeras entradas y cada día se irá añadiedo una: 100 ilustradores, 100 días de actualizaciones e interés. Y además, podréis comentar los trabajos, preguntar y conocer a los autores, etc. Se puede ver aquí: http://aventuradepapel.wordpress.com.

Y lo tercero es que ¡por fin! el estudio Alfandech ha reabierto sus puertas. Pero como eso es un anuncio qe por sí mismo merece una entrada, y para no restar protagonismo a la Aventura de Papel, lo contaré mañana...

Exposición "La aventura de Papel" en el CC Gran Turia

2011-02-11T18:13:00.018+01:00

Ayer se inauguró en el Centro Comercial Gran Turia la exposición de ilustraciones realizadas por 100 ilustradores profesionales de la APIV: "La aventura de papel", con la colaboración del Bioparc de la ciudad de Valencia.

La presentación fue breve, como toca a este tipo de eventos (los tres parlamentos juntos no duraron dos minutos) lo que es de agradecer ya que los asistentes estabámos ya en pleno disfrute de las obras y nos hicimos un poco los remolones.

No voy a decir que me sorprendió la calidad general de las ilustraciones: es el nivel de la ilustración y l@s ilustrador@s que tenemos: de buenísim@s a geniales. Además, la reproducción de los dibujos ha sido muy cuidada y la zona de exposición iluminada con bastante acierto. Yo, que lo sabía, iba ya dispuesto simplemente a disfrutar, y lo confieso, también a ver cómo habían quedado los monetes de mi dibujico y a poner la oreja para saber qué opinaba la gente...
Lo fascinante, lo extraordinario de esta muestra, es que es más que una muestra. Una ventana a cómo ven y cómo imaginan cada uno de los autores los relatos que han ilustrado. Historias que todo el mundo conoce y que forman parte de nuestro imaginario infantil y juvenil, re-contados con imágenes, una pincelada hecha con sonrisas, un trazo de fiereza, una mancha escalofriante... es imposible no redescubrir de repente otras lecturas, otros horizontes, nuevos matices a una historia que ya se te hacía conocida, y que de repente adquiere un brillo cautivador porque otro te "muestra" cómo lo "ve"... ¡y cómo te lo muestra!
La muestra, al menos para mí, es tan interesante que se me ha ocurrido que se podría hacer una especie de reportaje con cada uno de los autores para conocer los vericuetos del proceso creativo que ha desembocado en cada ilustración. Desde la elección del relato hasta la del pasaje; la gestación de la imagen, los conflictos y elecciones creativos, lo que –necesariamente– ha quedado en el tintero; la elección de la técnica, etc. Y todo ese material, acompañado de una entrevista abierta, podría publicarse o divulgarse de alguna forma, a través de la APIV. Es una buena idea, y de todas formas, para quienes no tengan oportunidad de ver la exposición, creo que voy a predicar con el ejemplo haciendo una pequeña (dificilísma pero necesaria) selección de los dibujos que personalmente más me han fascinado, para abordar la tarea y proponérselo a la asociación.

Tarzán, de Edgar R. Borroughs
Ése ha sido el relato que he escogido, y el pasaje o escena, el del pie. Espero que os guste.

"El pequeño John crecía sano y feliz con su nueva familia..."

Próxima reapertura del estudio Alfandech

2010-12-23T20:25:00.015+01:00

Bueno, parece que esto ya está en camino... En breve abrirá sus puertas y su web el estudio Alfandech de ilustración, diseño gráfico y comunicación creativa. La apuesta es fuerte, y más en los tiempos que corren. Como dijo Groucho: "Partiendo de la nada, hemos alcanzado las más altas cotas de la miseria". Y ahora, al borde del abismo, es el momento de dar un paso al frente...

Ahora en serio. En los últimos años me he dedicado a trabajos muy interesantes y que me han aportado muchos conocimientos y muchas satisfacciones. Entre 2004 y 2006 hice más de 40 documentales educativos para niñ@s de 1 a 5 años. Rodamos en media España (Madrid, Castellón, Teruel, Valencia,...), en guarderías, colegios, zoos, parques temáticos, en casas con niños y familias,... y en lugares de donde guardo imborrables recuerdos como el pueblo de Titaguas o la guardería "Peter Pan" de Valencia.

Otras actividades también han absorbido gran parte de mi tiempo estos últimos años: la restauración fotográfica, la maquetación de publicaciones y álbumes digitales, alguna pequeña incursión en la fotografía, la edición de video, la animación vectorial, el modelado 3D, la realización de páginas web,... y un ensayo sobre la relación entre ciencia, científicos e ilustradores que se me está resistiendo.

Desde luego no es para quejarse, pero uno va teniendo ganas de volver a lo que más le gusta: la ilustración, el dibujo,... a los lápices y los pinceles. Por supuesto, no se trata de abandonar el ratón o la tableta gráfica. Y mucho menos, en los tiempos que corren, de descuidar el pan de tus hijos (es un decir...). Así que después de meditarlo, he decidido tomar una pequeña distancia de la vorágine estresante del hombre-orquesta, poner un poco más el foco en la actividad para mí más gratificante y reconocida de mi carrera profesional de "pintamonas", rodearme de un pequeño pero profesional y experimentado equipo de subhumanos rescatados del zoológico "Bioparc-ETT-INEM" y reabrir mi antiguo estudio, que lució con gloria y esplendor en los años 80 y 90: el estudio-taller Alfandech de ilustración y diseño gráfico, reconvertido ahora en Estudio Alfandech de ilustración, diseño gráfico y comunicación creativa.

El más joven de la horda ha sido el flamante ganador del sorteo que hemos hecho para desear un feliz año nuevo a nuestros amigos y anunciaros las buenas nuevas: la próxima apertura del estudio y el nacimiento del niño-dios.

Au!, Felicidades y cuidado con el fin de año, que los cotillones los carga el diablo.

El templo de Atapuerca

2010-07-30T10:36:00.019+02:00

Atapuerca ya tiene museo. El pasado 13 de julio, tras más de una década de intenso trabajo, abrió sus puertas el Museo de la Evolución Humana (MEH) de Burgos. Y la espera ha valido la pena.

El Museo es una impresionante construcción acristalada a orillas del Arlanzón, en pleno centro de Burgos. Sorprende el espacio (15.000 m2) y la luminosidad del conjunto nada más entrar: esa parte es completamente diáfana en toda su altura y recoge en cuatro plataformas muestras de la evolución del ecosistema de la sierra de Atapuerca a lo largo de los últimos 350.000 años.

El recorrido diseñado a lo largo de cuatro plantas no hace esperar al visitante: El primer nivel (-1) nos introduce en plena sierra de Atapuerca, con la formación geológica del "karst" en vídeos, dioramas y paneles, el sistema de galerías y cuevas que albergan los yacimientos; y cómo se descubrió gracias a la trinchera excavada para el paso del ferrocarril. Los dos grandes módulos de esta planta nos trasladan al interior mismo de los yacimientos: Gran Dolina, donde se encontraron los restos de Homo Antecessor, el probable antepasado de Homo Sapiens (nuestra especie) y del hombre de Neanderthal; la Sima del Elefante y la Sima de los Huesos, el mayor yacimiento arqueológico humano del Pleistoceno medio, donde se encontraron los restos de una treintena de Homo heidelbergensis (300.000 - 500.000 años).

El descubrimiento de Gran Dolina es de capital importancia pues adelanta la aparición del género Homo en territorio europeo en medio millón de años frente a la teoría anterior de "estancia corta" (no más de 500.000 años de presencia) y sugiere como filogenia posible que las poblaciones de H. Antecessor europeas dieron lugar al H. Neanderthal a través de H. heidelbergensis (la especie anteneanderthal hallada en la Sima de los Huesos); mientras que el mismo H. Antecessor en África fue el antepasado de nuestra especie, surgida en África hace aproximadamente unos 200.000 años, posiblemente también mediante una especie intermedia (H. Rhodesiensis).

El descubrimiento fue posible en 1994 gracias a una pequeña cata en el yacimiento con el objetivo de llegar al nivel TD 6 (800.000 años), donde la paleontóloga Aurora Martín encontró el "primer diente", seguido de los restos de unos 6 indivíduos (2 adultos jóvenes, 2 preadolescentes y 2 niños): los primeros restos del Homo Antecessor (el "hombre explorador").

Aunque más "moderno" no menos relevante es el yacimiento de la Sima de los Huesos, el más importante del mundo en su género, con varios miles de restos óseos correspondientes a una treintena de indivíduos. La presencia de esqueletos completos acumulados en poco tiempo y la ausencia de utensilios o industria lítica sugiere que se trata de un enterramiento colectivo, lo que supondría la primera prueba conocida de acto simbólico (un ritual funerario) de la humanidad. Subraya esta hipótesis la presencia de una única herramienta en todo el yacimiento: “Excalibur”, un bifaz de cuarcita roja extraordinariamente tallado que posiblemente fuera arrojado a la Sima en memoria o tributo junto a su propietario.

Al final de este primera etapa el visitante puede ver las auténticas y emocionantes “joyas de la corona”: “Miguelón”, o el cráneo nº 5, el más completo hallado de H. Heidelbergensis, “Elvis”, la única pelvis completa de la especie, que permite apreciar su complexión extraordinariamente robusta (1,75 m de altura y 100 kg de músculo) o el bifaz “Excalibur”, entre otros restos fósiles humanos y animales.

El resto de la planta se dedica al trabajo de campo, a mostrar cómo trabaja el equipo multidisciplinar de Atapuerca en las excavaciones, registro de los hallazgos, así como una cronología y un panel fotográfico de los descubrimientos.

La segunda planta (nivel 0) se dedica íntegramente a la evolución en términos biológicos, con tres polos de atracción: El primero, la teoría de la evolución de Darwin. Relatado con un paseo con contenidos audiovisuales en el interior del famoso Beagle (reproducido en parte en el interior del museo, junto con una reconstrucción de su apacible estudio de Down House, en Kent). Posteriormente, a través de casi una veintena de grandes paneles paneles que combinan réplicas de grabados e ilustraciones antiguas de animales y plantas y que cuentan con un original sistema de encendido e iluminación de sus contenidos, se nos muestyran algunos aspectos de las diferentes teorías evolutivas del s. XIX y XX, apoyadas igualmente con medios audiovisuales muy didácticos. Este espacio recrea las diferentes concepciones sobre la evolución, desde Darwin y Lamarck, desde las teorías funcionalistas y estructuralistas, como la cértebra aqruetípica o la hoja de Goethe, hasta las más recientes como el neodarwinismo o Nueva Síntesis) (cit. Dobzhansky) o el moderno equilibrio puntuado (Eldredge y Gould).

El segundo, la encefalización o progresivo desarrollo cerebral homínido, de la mano de los trabajos de Ramón y Cajal, el funcionamiento del sistema nervioso y una curiosa estructura donde podemos entrar y ver “por dentro” el funcionamiento del cerebro y la transmisión de los impulsos nerviosos.

Y por último el tercero, la “sala de los homínidos” donde, junto a reproducciones de los cráneos y paneles explicativos de los diferentes géneros Australopitecus y Homo, desde Lucy (Australopithecus afarensis) hasta H. Rhodesiensis (un probable antepasado cercano de H. Sapiens en África), se ubican en círculo reproducciones escultóricas hiperrealistas y a tamaño natural de todas estas especies, obra del Atelier Daynes de París, lo que constituye sin duda otro centro neurálgico y polo de atracción del museo.

El tercer nivel está dedicado a la evolución en términos culturales: desde las primeras conquistas como el fuego y la producción de herramientas de piedra o los rudimentos del lenguaje, pasando por el trabajo de la madera y el hueso y su evolución en las sociedades de cazadores-recolectores hasta la aparición de la agricultura y la ganadería en el Neolítico; y de los que Atapuerca también ha preservado sus huellas, ya que la humanidad no ha dejado de utilizar alguna de sus cuevas como cobijo para humanos o animales hasta nuestros días. Podemos encontrar utensilios agrícolas neolíticos como hoces o azadones de madera y piedra, o granos (centeno, judías o lentejas). Esta planta dedica un espacio especial a dos de las prácticas simbólicas más destacadas e importantes para la socialización humana: las prácticas funerarias y el arte rupestre, a través de dioramas, y proyecciones. Este nivel sintetiza el “despegue cultural” o “humanización del Homo Sapiens” en los últimos 40.000 años, la progresiva socialización de nuestra especie con la producción no sólo de herramientas cada vez más sofisticadas sino también con la producción de productos de consumo mejorados (semillas en la agricultura, razas domésticas en ganadería), el lenguaje, el arte y el pensamiento simbólico y, en correspondencia con todo ello, la complejización y especialización de la vida social humana.

Por fin en la última planta encontramos una pequeña sala de proyección donde se recrean los principales ecosistemas en evolución que vieron aparecer la especie humana: la selva tropical, que dio paso a la sabana y a la tundra-taiga, en la conquista de ambientes extremos durante las sucesivas glaciaciones.

Al finalizar el recorrido, el visitante se va con la sensación de haber sido un arqueólogo más en Atapuerca y de haber recorrido, no la historia de esta pequeña sierra burgalense, sino el recorrido de nuestra especie desde su aparición en los aledaños del gran rift africano hasta Burgos; de haber entrado en los yacimientos y haber participado en los descubrimientos del equipo Atapuerca, lavando o tamizando las muestras, y de haber recorrido, planta por planta, la historia de nuestra especie desde Lucy hasta nuestros días, y la elaboración teórica de las explicaciones que la humanidad se ha dado sobre su origen en los dos últimos siglos.

Especialmente estimable es el aporte, tanto empírico como de la estructuración del propio recorrido museístico, respecto de algunas de las opiniones más controvertidas actualmente acerca del origen y la naturaleza humana: como la inconsistencia del origen multiple de Homo Sapiens (que cada “raza” proviene de diferentes antepasados muy lejanamente emparentados), teorías a menudo abanderadas por corrientes políticas racistas y ultranacionalistas, que en sus planteamientos más extremisatas plantean que la raza blanca es genéticamente superior y proviene de un ancestro diferente a las demás (WP) o que, mientras la humanidad desciende del Cro-mañón la raza vasca desciende del neandertal, según un jesuíta vasco que por discreción no nombraré aquí, pero que quedó registado en las hemerotecas). O de la sociobiología (E. Wilson y R. Dawkins) que reduce la naturaleza histórica de los humanos a la expresión de su dotación genética (todo está determinado por los genes) y no a su naturaleza social como una “propiedad emergente” de la especie humana como colectividad (como sociedad, naturalmente sobre una determinada base material biológica).

La visita al MEH es altamente recomendable ya que además se pueden concertar visitas guiadas a los yacimientos de Atapuerca. El Museo ha creado un ámbito de apoyo y colaboración, el Programa Amigos y otros, a través del cual se puede conocer, colaborar y disfrutar de este importantísimo patrimonio.

Fundación Atapuerca: www.atapuerca.org
Museo de la Evolución Humana de Burgos: www.museoevolucionhumana.com

Óleos de Manuel Sosa

2009-02-24T19:40:00.035+01:00

Buscando documentación y fotografías en internet sobre lobos ibéricos para ilustrar un cuento, encontré hace algún tiempo la página del pintor extremeño Manuel Sosa (www.manuelsosa.com).

Iba con algo de prisa pero me prometí volver a visitarla. Hace poco lo hice y tuve el placer de deleitarme en cada una una de sus obras.

En algún lugar que ahora no recuerdo leí que entre sus referencias pictóricas se encontraban algunos de los grandes pintores románticos y de naturaleza del s. XIX y XX. Mientras me venían a la memoria algunas de las obras de los pintores mencionados, como Friedrich o Bateman, los vastos espacios abiertos y los paisajes nevados, imponentes coníferas y majestuosos animales salvajes, y también los óleos de pintores contemporáneos como John Banovich o Colin Bogle. No pude por menos de detenerme en algunas de las obras de Manuel Sosa que me iban cautivando irremediablemente: el retrato de su perra "panceta", el cervatillo esperando a su madre, los lobos ibéricos (la manada, el encuentro) y los encinares con grullas, o los lienzos de gramíneas (gramíneas, avena loca ) arroyos (de montaña, con helechos,...), o la «luz quebrada».

No sé por qué (bueno, sí lo sé), he recordado una entrevista al maestro Antonio López recogida en la revista de los Ateneos XXI, Foros21, de la que he sacado algunos extractos. Después de releerla, he vuelto a visitar la página de Manuel Sosa.

Extractos de varias entrevistas a Antonio López para Foros 21:

«Hace unos años, con motivo del cuarto centenario del nacimiento del pintor sevillano [se refiere a Velázquez], un conocido medio de comunicación realizó una encuesta entre un nutrido grupo de artistas y personalidades del mundo de la cultura española acerca de cuál era su obra preferida y de qué pintor español de la época contemporáneo podría decirse que más y mejor ha sabido recoger y desarrollar la herencia velazqueña. Por abrumadora mayoría, el pintor Antonio López fue considerado como el único artista actual comparable con la tradición y la trayectoria pictórica de Velázquez. En sus numerosas tertulias en los Ateneos XXI de toda España, Antonio López ha dejado constancia de la admiración que siente por la obra del pintor sevillano, así como sus hondos análisis sobre el valor de la pintura española a lo largo de los siglos. Estos son algunos extractos de las reflexiones que hemos compartido con el pintor manchego en sus frecuentes visitas a los Ateneos.
(...)

«Cuando ves, por ejemplo, el retrato de Inocencio X, el Papa no era así, está poseído por Velázquez; esa pintura es un fenómeno que construyó Velázquez. Por eso Velázquez era un pintor. Si quieres negar a la pintura de Velázquez la presencia del hecho emocional del pintor y que es algo frío, sin sustancia, que únicamente tiene mérito como representación de las cosas reales, eso es quedarse solamente con la mitad de la pintura de Velázquez, y con la mitad menos importante. La obra de Velázquez acaba teniendo un misterio, eso que parecía que no tenía. Es lo contrario a la frialdad y la objetividad, tiene hondura, es un agujero tan profundo que todavía no sabemos muy bien qué es lo que hay ahí. Tenía una mirada independiente, miraba por sus propios ojos. Miraba al rey y no veía al rey, veía a un ser humano. Él no lo dice así, ni alardea de ello. Lo hace además por arriba, elevando al bufón, ennobleciéndolo. Esa es la diferencia con Goya, que rebaja al rey. Velázquez no es un crítico y Goya es un criticón».
(...)

«Yo pienso que el arte es igual en todas partes, lo que ocurre es que el español tiene un tipo de sensibilidad que no tiene el francés. Cuando vas a un museo y entras en la sala donde está el arte español, notas que tiene algo muy fuerte, muy poderoso, muy dramático y muy sombrío. Y en los buenos momentos un tipo de dignidad, de nobleza, de trabajar sobre los elementos digamos modestos del mundo. Hay una falta de pretensiones que le da un carácter especial al arte español. El español, el buen español, mira de forma muy intensa las cosas. Yo creo que la fuerza de Velázquez, la fuerza incluso de Picasso o Chillida, del buen español, es que mira y ve más en las cosas reales; en las cosas que ve todo el mundo, el español ve un poco más. A lo mejor el español si tiene que hacer la Virgen María la hace peor que un italiano, pero si tiene que hacer un nabo lo hace mejor que nadie».
(...)

«Es difícil saber en qué consiste, tan difícil que no ha podido hacerse una fórmula que nos ayude a los demás. Lo único que sí percibes es que siempre vuelve a ocurrir lo mismo, siempre el gran arte español trabaja en esa zona, en ese espacio muy limitado, muy profundo del mundo de la observación. Es un interés por las cosas, que cuando te refieres a la mirada del pintor lleva dentro muchísimos elementos del sentimiento. Eso es la pintura española. Y efectivamente está en toda la cultura española. Santa Teresa es española y ya está. Es que somos paisanos. Comparada con una santa austriaca o italiana podrá parecer una mujer excesivamente prosaica, pero sabemos que no. La fuerza de santa Teresa está en esa intensidad con que puede mirar este vaso. Cuando dice que Dios está entre los pucheros eso tiene mucha miga. La pintura española es eso, el arte está también en los pucheros, "Las Meninas" es eso, la "Vieja friendo huevos" es eso».
(...)

«Notas que el arte español corre muchos riesgos, de no ser entendido, de parecer poco refinado. (...) Una gran parte de este arte está ya muy asentado por la historia, pero en su momento yo estoy seguro que Goya no hubiera podido competir con los pintores franceses de su época. Ocurre en todas las épocas históricas: hay un tipo de arte que parece mucho y luego pasa el tiempo, va quitándoles capas, va quitándole maquillaje y dices, bueno, ¿qué ha quedado aquí? Si esto desapareciera no se habría perdido nada. Es como el producto de la vanidad humana, de la vanidad culta, pero vanidad al fin y al cabo. (...) Cuando ves a Velázquez junto a Rubens y Van Dyck comprendes que la sociedad se inclinara por los otros. A un ricacho de su época, Velázquez debía parecerle excesivamente seco. Porque una seda de Van Dyck es más seda que la propia seda. Y una seda de Velázquez no es más que una tela. Y ésa es la gran maravilla, porque ¿qué es un diamante? ¿Por qué va a ser más que una piedra? ¿Quién se ha creído eso? Subiéndote por encima de los conceptos, lo maravilloso de los grandes artistas españoles es que respetan sólo lo que hay que respetar. Y lo demás lo aparcan. Y claro, lo que hay que respetar ocupa tanto espacio, que desdeñan muchísimas cosas. (...) En un bodegón de Zurbarán faltan muchísimos detalles que sí están presentes en los grandes pintores europeos de su época, pero en un solo limón de Zurbarán está contenido todo el universo. Ésa es la diferencia: una forma de acercamiento, una forma de trabajar que es absolutamente sagrada. Estamos hablando de gente con unas mentes muy poderosas y que intentan decir la verdad, se sitúan en la zona de la veracidad. Las dos cosas juntas crean el gran arte, y eso es algo muy poco frecuente, porque la sociedad no ayuda a que haya muchos artistas así, quiere ser engañada, distraída. Y frente a la ventaja inicial que saca el artista manipulador, estos grandes artistas no calculan riesgos, les estimula vivir una aventura de riesgo. Al ver sus cuadros notas que o lo hacían así o no lo podían hacer. Tenían una condición que les obligaba a transitar por caminos que se atreven a transitar pocas personas. No quieren engañar, lo que, necesariamente, implica un compromiso y un sacrificio».
(...)

«A Velázquez se tardó en llegar. Echaban de menos el refinamiento, porque pintaba esas cosas groseras, que no eran más que la vida, como el aguador, y en su época les parecía que mutilaba lo principal del hecho artístico. Hacía falta tener mucho valor, mucha rebeldía y mucha fe para ver que un aguador podía reflejarse en el lienzo. Creo que en todo eso está lo español».
(...)

«En mi primer viaje a Italia vi lo que era lo español. Una manera muy despojada de mirar las cosas, muy desmaquillada y muy respetuosa. Y que tiene una energía tremenda. Es una forma de decir la verdad un poco arriesgada. (...) Pero tiene que existir esta gente que diga así las cosas. Para llegar a ese nivel sin maquillaje, sin andamiaje estético evidente, hace falta ser muy grande. (...) El español no sabe muy bien por qué hace las cosas. Por eso un hombre como Sánchez Cotán hizo seis bodegones maravillosos y los dejó de hacer. Es como una especie de destino que le lleva, para su desgracia, a hacer algo que le puede acarrear problemas. Pero si no se los acarrea y encuentra suficientes apoyos, llega a hacer algo de mucho valor para los demás. Únicamente los españoles lo han hecho con ese carácter. (...) El problema aparente del español, sin embargo, es que nunca figuró en los ambientes de prestigio, que fueron italianos, alemanes y flamencos. Si Goya hubiera tenido que hacer esa obra en Francia lo habría tenido difícil. (...) Veláquez parece un milagro, nacido como una semilla en un erial. De Velázquez a Goya casi no hay nadie. El erial. No siempre se da la misma suerte. ¿Cómo se pudo gestar El Quijote? Lo más sencillo, lo más probable, es que no hubiera aparecido.

(...) El arte en otras épocas tenía que ser algo que iluminara la vida. Ahora puede ser eso y puede ser que, sencillamente, te conmocione».
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De vueltas de vacaciones...

2009-02-14T19:40:00.003+01:00

Bueno, como sigamos a entrada cada dos años, esto va a ser un poco aburrido...
Me he propuesto darle un poco de continuidad a este espacio, así que nada mejor que adelantarte (adelantaros si más de uno lee esto) que estoy "remozando" mi página web y que en breve habrá más cosicas chulas. Y además para deciros que la gente que lleva la guía de ilustradores (www.guiadeilustradores.com), una página que intenta echar una mano a los dibujantes de España y México recopilando portafolios, "curriculos" y publicando concursos y ofertas de trabajo, necesitan que les echemos una mano. Hasta ahora lo están haciendo bastante dignamente pero hace falta echar un empujoncito, así que...

Hola...

2007-02-04T15:30:00.001+01:00

Hola.
Como todos los primeros mensajes de un "blog", supongo, éste no es más que un saludo y una excusa para comprobar que este chisme funciona correctamente. Aprovecho para invitaros a que visitéis mi web (www.antoniocorts.net), animaros a que me escribáis, me enviéis sugerencias y opiniones, y por último os anuncio que en los próximos días subiré mi primer podcast.
Bueno, si alguien lee esto es que he alunizado con éxito...